Film School and Acting School at New York Film Academy

ESCUELA DE CINE Y ACTUACIÓN

Nueva York: 100 E 17th St., New York City, NY 10003
Estudios Universales: 3801 Barham Blvd., Los Angeles, CA 90068

UN AÑO DE ACTUACIÓN PARA
CINE Y TELEVISIÓN

Este curso contiene 36 créditos.

The New York State Board of Regents’ National PONSI Program, recomienda este curso para que sus créditos sean aceptados en mas de 1.500 universidades.
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CINE Y TELEVISIÓN
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TASAS:
$31,500 (USD) Per Year
>Number of Semesters: 2
FECHAS COMIENZO:
 • September 20 • October 2014 • January 2015 • September 20
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Acting Program Overview

• Overview • Curriculum • Classes
La New York Film Academy está orgullosa de ofrecer su popular programa de actuación de un año. El programa de un año no se parece a ningún otro programa de actuación en el mundo - una exploración de la vanguardia en el arte e interpretación para la gran pantalla.

El programa de actuación tiene un calendario de ocho meses de clases, dividido en dos semestres de dieciseis semanas cada uno. Cada uno de los semestres demanda dedicación completa por parte del alumno. Una semana normal de clases incluye clases, ensayos, y rodajes que se llevarán a cabo durante la semana, tardes, y fines de semana.

El primer semestre se centra en construir los fundamentos de la interpretación usando técnicas arraigadas en el teatro. Los alumnos participan en una serie de clases principales que los introduce a encontrar al actor que llevan dentro de si, simultaneamente son entrenados en la parte técnica, emocional, y física para la actuación. Ya que creemos que trabajar delante de un público beneficia enormemente a los actores, todo el entrenamiento en el primer semestre se centra en la actuación en directo.

En el segundo semestre, las clases principales continuan mientras que los alumnos ahora se centran en la aplicación de las técnicas que han aprendido con la actuación en escena, ejercicios en cámara, y rodajes – todos ellos diseñados para desarrollar y afinar su capacidad de interpretación en la pantalla.

Durante el segundo semestre, todos los estudiantes actuan en un cortometraje, frecuentemente una idea original creada y desarrollada por los estudiantes en colaboración con sus profesores. Además, otro tipo de clases son impartidas para ensanchar el conocimiento de los estudiantes: técnicas interpretativas, el negocio del cine, y otras muchas mas. Y, como en el primer semestre, el segundo semestre culmina con una actuación en directo para la familia, amigos, compañeros de clase, y contactos en la industria.

CURRICULUM

SEMESTER I
PRIMER CUARTO CLASES
  • Introducción a la actuación
  • Actuación para cine I
  • Cine
  • Técnica Meisner I
  • Voz y Movimiento
  • Fonética
  • Análisis de textos
SEGUNDO CUARTO CLASES
  • Actuación para cine I
  • Técnicas de actuación
  • Técnica Meisner I
  • Improvisación
  • Shakespeare
  • Voz y Movimiento
  • Fonética (optativa)
  • Edición

  • ACTUACIÓN
  • Presentación de Monólogo

SEMESTRE II
TERCER CUARTO CLASES
  • Actuación para cine II
  • Cine II
  • Taller de Actuación para producciones
  • Técnica Meisner II
  • Técnicas para Audiciones
  • Improvisación
  • Voz y Movimiento

  • ACTUACIÓN
  • Demostración de una improvisación
CUARTO CUARTO CLASES
  • Actuación para cine II
  • Cine II
  • Técnica Meisner II
  • Actuación para Televisión
  • Taller de Actuación para producciones
  • Combate en cine
  • Improvisación
  • Voz y Movimiento

  • ACTUACIÓN
  • Actuación final
  • Showcase
  • Presentación de una escena
  • Presentación Técnica Meisner

CLASES

INTRODUCCIÓN A LA ACTUACIÓN FONÉTICA
Esta clase será una introducción a las bien conocidas técnicas de actuación de los grandes maestros.

Las clases empezarán con juegos básicos de actuación y calentamientos. Los estudiantes explorarán el trabajo de Konstantin Stanislavski, luego pasarán al Método, brevemente discutir el papel de Sanford Meisner, luego el trabajo de Lee Strasberg (sentido y memoria emocional), Stella Adler (abosulta creencia de circunstancias dadas), Michael Chekhov (el gesto psicológico), Jerzy Grotowski (el acercamiento físico / de afuera a dentro), Anne Bogart (puntos de vista) y Tadashi Suzuki.

Las clases incluirán un breve fondo histórico de cada uno de los maestros, así como una discusión del desarrollo de cada una de sus técnicas. Los alumnos entonces harán diferentes tipos de ejercicios específicos atribuidos a cada uno de los Maestros, se les pedirá que trabajen en ellos fuera de clase y luego presentarlos. Los alumnos trabajarán con escenas abiertas y monólogos para empezar a utilizar los conceptos aprendidos. Una presentación final de un monólogo (o una escena abierta) será presentada al final del primer semestre.
La clase de fonética se centra en la eliminación de acentos extranjeros y dialectos regionales desarrollando un acento americano estándar. Usando el Alfabeto de Fonética Internacional (IPA), el actor aprende a corregir habituales problemas de acento y prepararse para el futuro estudio del dialecto. Los resultados incluyen una mayor facilidad, claridad, y expresión con el texto, y capacidad de emprender una variedad de papeles.
ACTUACIÓN PARA CINE
En el primer semestre los alumnos estudian las bases de interpretación para cine: actuación dependiendo del tamaño del plano y ángulo, posiciones en marcas, la continuidad emocional y física, opciones interpretativas en fuerza e imaginación. En el segundo semestre el curso se intensifica. Escenas de películas son asignadas a los alumnos o en colaboración con los profesores se crean ideas originales para cortometrajes. Estas películas son rodadas con un equipo técnico profesional y editadas conjuntamente con los alumnos. Además, los alumnos aprenden las bases de cada posición del equipo técnico para ensanchar sus conocimientos sobre las responsabilidades de cada persona en un rodaje.
TALLER DE ACTUACIÓN PARA PRODUCCIONES CINE
No importa lo bien que un actor profesional pueda describir qué significa actuar en un rodaje, no hay comparación con la propia experiencia en set. En el segundo semestre, se les da a los estudiantes la experiencia única de poder actuar en producciones originales. Escenas o guiones completos serán desarrollados para incoporar todas las técnicas aprendidas y luego serán filmadas en una serie de talleres con un equipo técnico profesional. Una vez el rodaje termina, las escenas serán editadas con los alumnos, proyectadas, y mas tarde se proporcionará a los alumnos con una copia de la película.
Trabajar en escenas de películas y obras de teatro permite a los actores aprender todos los conceptos básicos para entender una escena: definir objetivos, análisis de guiones en momentos dramáticos, entender el arco, perseguir su objetivo, interpretar acciones, y trabajar para vencer obstáculos. Esta clase proporciona la técnica más básica para entender la interpretación, por lo tanto comienza desde el nivel más básico, por lo general con escenas mudas o escenas con diálogos cortos. Una vez que los fundamentos básicos se han asentado, se trabajará con comedias o escenas dramáticas mas largas. En ambos semestres, la clase termina con la interpretación de una escena en directo para un público.
CLASES MAGISTRALES DE CINE ACTUACIÓN PARA TELEVISIÓN
Los estudiantes de actuación raramente tienen la oportunidad de sumergirse en otros aspectos de un rodaje. Sin embargo, sentimos que es crucial que un actor desarrolle fuertes habilidades de colaboración aprendiendo los conceptos básicos del medio y entendiendo cómo cada uno de los miembros del equipo técnico contribuye a hacer brillar la interpretación de un actor. Por lo tanto, proveemos a todos nuestros alumnos con clases magistrales impartidas por profesores del programa de dirección de la New York Film Academy en las siguientes disciplinas: Estructura de las historias, Cinematografía, Producción y Dirección.
El objetivo de esta clase es explorar las diferencias entre rodar para cine (una cámara) y rodar para televisión: estilo sitcom, multicámara, anuncios para televisión, novelas, y talk shows.
LA TÉCNICA MEISNER TÉCNICAS PARA AUDICIONES
La clase de Técnica Meisner, es una técnica para actores desarrollada por Sanford Meisner, uno de los miembros fundadores del “Group Theater”, está orientada en perfeccionar al actor en escuchar y responder con veracidad a ellos mismos y a sus compañeros de escena. El primer semestre empieza con ejercicios de improvisación, donde el actor dedica toda la atención a su pareja de escena, comportamiento real en oposición a la interpretación del personaje, análisis de guiones, o dirección. Una vez que los fundamentos son establecidos, los estudiantes aplican esta técnica a los guiones. El segundo semestre se dedica a la capacidad de cada alumno de actuar y reaccionar en una situación imaginaria, tanto en escenas de trabajo como en improvisaciones avanzadas. Una actuación en directo con público se llevará a cabo al final del semestre.
La actuación tiene tanto de negocio como tiene de arte. Además de la formación, actores exitosos deben desarrollar una fuerte capacidad de comercialización para construir su carrera. Estas clases se centran en temas tales como sentirse cómodo en lecturas en frío, preparar un curriculum, escoger un fotógrafo para sus retratos, y el desarrollo de una estrategia para su carrera. Además, los actores tendrán la oportunidad de obtener experiencia con audiciones, tanto en clase como en audiciones abiertas con directores del programa de dirección de NYFA.
IMPROVISACIÓN EDICIÓN
La habilidad de improvisar nunca puede ser subestimada cuando se trata de actuar, especialmente en cámara donde suele haber poco ensayo previo. Ya sea drama o comedia, los actores improvisan bien cuando están completamente comprometidos, escuchando a sus compañeros de escena, y liberándose del miedo a fallar. A través de juegos y ejercicios, los alumnos aprenden a dejar volar su imaginación, cómo actuar bien con otros, y cómo vivir “en el momento” – sentirse libre de anticiparse o planificar qué hacer luego.
Además de proveer a los estudiantes con las herramientas básicas para editar sus propias bovinas de actuación, también se les enseña los fundamentos básicos de la narrativa del montaje. Dado que las películas se ruedan completamente fuera de orden y las escenas deben fluir cuando hay veces que se han grabado con días o semanas entre ellas, un actor no puede entender completamente el concepto de continuidad emocional y física a menos que entienda los conceptos básicos del proceso de montaje.
MONÓLOGOS SHAKESPEARE
Es cierto que los monólogos se utilizan a menudo en las audiciones, pero trabajar con monólogos es también una técnica muy útil para la actuación en cine. Muchas veces los guiones incorporan monólogos a sus estructuras dramáticas, pero lo mas importante es que un actor debe aprender auto disciplina para trabajar solo sin depender de su compañero de escena para econtrar inspiración. Las técnicas incluyen: elección de monólogos que sean veraces, significativos y reveladores, realizar análisis de los guiones de monólogos, escenografía y la dirección de uno mismo, y el desarrollo exterior e interior. Los monólogos serán presentados al final del curso.
Algunas personas dicen que si puedes interpretar Shakespeare, puedes interpretar cualquier cosa. Los alumnos aprenderán a hablar, actuar con el cuerpo y traer fuertes ideas de sub-texto al lenguage clásico de Shakespeare, pero con un enfoque moderno que asimila las experiencias personales del actor.
MOVIMIENTO VOZ
El cuerpo de un actor es el único instrumento que tiene, por lo que debe ser afinado para actuar cuando y donde sea necesario. Clases de movimiento, además de ampliar la flexibilidad corporal y el desarrollo de la capacidad del actor a relajarse y ponerse en tensión cuando lo necesite, también se centrará en derribar las inhibiciones del actor, y ofrecer las herramientas necesarias para llevar dimensión física a todos sus papeles.
Un instrumento primordial para el actor es una voz expresiva y libre. Por lo tanto, las voces deben ser entrenadas para ser oidas (a través de ajustes de volumen), entendida (a través de la articulación), y también considerada (a través de la expresión). Los estudiantes ganan experiencia en el poder de cultivar su voz y el control de la misma mediante diversos ejercicios de resonancia y musculatura, lo que les permite liberar impulsos emocionales. Además de clases de respiración, la clase también se centra en canto, relajación, y la postura como una forma de fomentar el instrumento del actor. Usando textos, los alumnos aprenden a identificar palabras claves para vincular la intención con la voz y hablar claramente y con fuerza hasta el final de una línea.

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